Metal Gear Solid 4: Postmodernal Gaming Sistem

Es un videojuego y su protagonista es un viejo metido en unas mallas de pellejo que pueden mimetizarse con el entorno.

Cuando llegué a la tienda lo vi mezclado con el resto. La portada; nada especial. Unos dibujos y unas letras molonas, con un nivel de horterismo bastante ajustado. La contraportada; como si fuera una película de serie B que damos la vuelta en el vídeoclub para leer su sinópsis. “Que si en este juego encontrarás acción a raudales, que si infiltración, que si los mejores gráficos, que si llevarás pistolonacos nucleares, que si lanzarás rayos por la...” en fin, estupideces. Este juego es mucho más, este juego es postmoderno. Poca broma.
Si tomamos como postmoderno aquello que pretende dar un paso más allá de lo moderno y poner en tela de juicio sus bases, bueno, este es un ejemplo, hay más, pero no molan tanto.
Empezamos con algo muy importante: insertar el disco en la ranura de la consola. No entra más fino que el resto, por ahora no sorprende. Enseguida nos pide que grabemos el juego en el disco duro de nuestro sistema -vaya, va a tardar un huevo-. Pero atención, cuando empieza con el proceso aparece el protagonista y se fuma un piti en nuestra cara. Esto no es nada moderno. Además, hay que volcar muchos GB al disco así que el tío se fuma cuatro o cinco cigarros a tiempo real. De vez en cuando, como hay que ser ahorrador, no se lo acaba y se lo guarda en una especie de pitillera futurista hecha en fibra de carbono (si, en la nueva generación de consolas se aprecian las texturas de los objetos) mientras te dice que no seas cerdo y que eches la ceniza en el cenizero. Pero es que el buen hombre le da al pulmón muy a gusto y te cogen unas ganas de fumar endiabladas (seas fumador o no) y aquí es donde, a pesar de no haber jugado aún, empiezas a plantearte si este juego tan raro pretende algo más.
Lo ha logrado, me fumo un piti.
-¿Vas a violar la seguridad que me proporciona mi salón? ¿Vas a influir en mi vida real? ¿Mando yo o mandas tú? Yo te he comprado. No te flipes-
Cuando ya se ha cargado el juego y te dispones a jugar: Publicidad. -¿Perdona?- Nos intentan vender no se qué producto hecho con pulpo, parece un anuncio de colonia, además es vídeo real, no son polígonos bailando al son de un informático. Se acaba y empieza un programa de entrevistas -¿En serio?- una mujer entrevistando a un tío muy raro y siniestro con un parche cibernético en el ojo en un entorno bastante desasosegante. Ella le pregunta varias veces porqué está aquí con voz solemne, la última vez que lo hace parece que lo pregunte al jugador y repite: “porqué estás aquí” y continúa “con un parche en el ojo”. Nos toman el pelo, es evidente. O no. ¿Cómo lo veo yo? Veo que pretenden sumergirnos y expulsarnos de la historia periodicamente para que seamos conscientes de que nosotros, en nuestro salón, pertenecemos al juego y que es él el que nos controla.
No hablaré la forma en que se movemos el personaje, pero diré que el juego me ordenó que me levantara del asiento y lo hice: me dijo que insertara el “disco 2” y mientras lo buscaba, la voz de el Doctor Otacón me dijo que no fuera imbécil, que no hay “disco 2” que me sentara y que siguiera jugando. - Metal Gear: “1”, Juanjo: “0”-
En otra ocasión, un enemigo predecía mis movimientos y me resultaba imposible vencerlo. El ordenador me aconsejó cambiar el mando de conector. Funcionó.
Luego, para acabar de demostrar que era el juego el que controlaba mi realidad, un enemigo me obliga a dejar el mando en el suelo, el mando real. Me dice que lo va a mover con el poder de la mente. -¡Al igual!- El bichardo, desde la pantalla, hace un gesto con el brazo hacia la derecha y mi mando, atención señores, se desplaza a la derecha. Hace un gesto hacia la izquierda y se desplaza a la izquierda, claro. Evidentemente, estaban utilizando el sistema de vibración de mi mando, nada espectacular, pero ya me tuvieron un rato mirando al suelo de mi salón como si hubiera perdido una lentilla.

¿Qué pretendo decir con todo esto? Que a todo, absolutamente a todo, se le puede dar una vuelta de tuerca más hasta romperlo y crear algo nuevo. En este juego aparece un nuevo sistema de control que no es un mando diferente, ni un 3D envolvente, es coger por banda algo tan moderno como la interacción entre usuario y máquina, ponerlo en duda y darle la vuelta. Eso es el postmodernismo ¿No?

Cambio radical: el programa que transforma en cisnes a los patitos feos.

Hace un par de años llegó a España un fenómeno televisivo llamado ”Extreme makeover”, que como no, procede de los Estados Unidos. El polémico programa se llamaba “Cambio radical”. Fue el primer programa de este tipo emitido en nuestro país, sin contar los programas que ya incluyeron sesiones en sus programas cómo fue el ejemplo de TNT.

El género Extreme makeover podríamos definirlo como un reality show en el cuál se hace un cambio extremo, dónde se somete a una persona a una gran cantidad de operaciones de cirugía estética para cambiar y mejorar su imagen.
¿De qué va el programa? Resumiré el tema en una frase: personas que no están contentas con su físico, traumadas y que creen que la única solución es presentarse a este programa dónde, gracias a un equipo especializado de cirujanos, odontólogos, maquilladores y nutricionistas, les ayudarán a cambiar su aspecto y conseguir lo que habían deseado. A cambio de su deseo, deberán vender su imagen antes, durante y después del proceso.

Poco tiempo antes de empezar el programa, podíamos observar en televisión los castings dónde cientos y cientos de personas explicaban su particular “historia y problema” con su físico. Más de 50.000 personas se presentaron, y un equipo médico fue el encargado de escoger a los participantes teniendo en cuenta el grado de necesidad de cambiar de imagen y siempre y cuando reunieran óptimas condiciones de salud. Además lo que importa es el show, es decir, podremos ver todo el proceso de transformación de cada participante, desde que lo eligen hasta que se reencuentra con su familia y ésta casi ni le reconoce, pasando por la operación en sí, en vivo y en directo...

Aquí vemos un ejemplo de casting:

http://www.youtube.com/watch?v=1qD7gdN1Q0o

En cada programa se transforma a dos personas: los vemos desde su fase inicial y, después de varios meses de procedimientos televisados a detalle, llegar al resultado final. Luego los candidatos revelan su nueva imagen a sus amigos y familiares.
El momento del reencuentro con la familia es lo que me pareció más chocante. Qué pensará la novia que lleva 10 años con su pareja, se enamoró tal y cómo era antes y de pronto se encuentra con él, casi irreconocible. En muchos casos dicha persona se ve cómo un extraño!

Ahora os voy a poner dos ejemplos de participantes que se sometieron a la cirugía en el programa:

"Sandra vive en Sabadell y tiene 28 años. Trabaja en una empresa empaquetando revistas y lleva cinco años viviendo con Paco, su actual pareja. Sandra es una persona muy insegura y teme que Paco la deje por otra persona más guapa, pues no ha sido la primera vez que esto le sucedía". Este texto sobre el programa Cambio radical aparece en la página web de Antena 3. En esta misma línea, en la publicidad del programa se pueden leer frases como "Mi pareja no me dejará" o "Por fin bajaré a la playa con mis hijos", al lado de una mujer con un precioso ojo que se está quitando la venda que le cubre la cabeza. Son entrecomillados de frases pronunciadas por las dos participantes del domingo pasado en la primera emisión del programa.

Según lo que acabamos de leer, podemos llegar a la conclusión de que lo único importante es el físico de la persona, es tan importante que genera problemas o traumas a las personas que se sienten incómodas con su físico. El objetivo principal del programa es el show: convertir a patitos feos en cisnes. Vivimos en un mundo en el que solo importa la imagen de la persona. Si eres guapo, tendrás más facilidades para triunfar en lo que te propongas. Si eres feo, o te sometes a una operación de cirugía o estarás condenado a la mediocridad.

http://www.youtube.com/watch?v=HFDnmtV4j4c


El programa causó miles de críticas, tanto por organizaciones de consumidores, como grupos feministas que lo calificaron de “sexista y engañoso”.

La causa principal de la creación de este tipo de programas, es la sociedad materialista en la que nos encontramos, regida por unos patrones físicos; donde imagen está por encima de la propia persona, y es el único motivo para sentirse bien con uno mismo.

Y si alguien piensa ingenuamente que el show le brinda felicidad a las personas involucradas, le respondo que la felicidad no puede consistir en tener la nariz derecha, la panza durita, o el peinado perfecto. Encontrarse abierto en una mesa de operaciones, rodeado de cámaras como una especie de animal a medio hacerse, no es un sueño hecho realidad, es un horror.

Monika luppens

De l'adaptació de la literatura al cine

D'entre les moltes de les pel·lícules que trobem avui dia a la cartellera d'un cinema o els grans èxits de la història del cine podem trobar-ne bastantes que són adaptacions de llibres, literatura o, senzillament, best-sellers.

La gran majoria de llibres que posteriorment han sigut portats a la gran pantalla són d'una extensió considerable, cosa que ha creat problemes als guionistes i productors a l'hora d'escriure el guió basant-se en el guió del llibre, i a més a més d'una complexitat a tenir en compte bastantes vegades.

La transformació de literatura a cinema és un procés llarg i complicat que implica obviar detalls que potser podrien ser importants, però com que el pressupost és el que és
i la durada no pot ser molt gran cal seguir unes directrius estrictes però sobretot ben marcades.

Personalment, crec que molts llibres generen menys espectatives que la pròpia pel·lícula cosa que fa mal al sector literari, a mitjà termini, però que a llarg termini pot acabar beneficiant a la indústria editorial i al propi autor.

Pensant precisament en aquest tema, m'ha vingut al cap un best-seller i la seva pel·lícula, Àngels i Dimonis. Mostrarem les diferències rellevants de la novel·la al film.


Pel·lícula

L'argument m'ha semblat incongruent i inversemblant, els implicats actuen sense sentit, algunes vegades, i de forma totalment estudiada, sobretot l'església. El professor Langdon sembla irritant, sempre sap on buscar una pista en un temps rècord. A més sembla que quan tot està perdut finalment apareix o es produeix un miracle.

El transcorre del temps també sembla inversemblant i les accions passen molt seguidament i amb una trama molt senzilla entre parts.

Llibre

Trobem molts més detalls. Cada part, cada enigma, cada detall, cada sensació, cada imatge, cada escena i cada situació tenen un detallisme impressionant que no deixa indiferent a ningú i que no te continuïtat a la pel·lícula. El detallisme de la novel·la és transformat en imatges impactants a la pel·lícula i moltes parts que expliquen anècdotes de les investigacions del propi personatge o parts polèmiques, com podria ser la mort de Joan Pau I, cas que apareix a la novel·la com a articles d'investigació (14 de juny de 1998 del The British Broadcasting Corporation (BBC) o 24 d'agost de 1998 del The New York Times), no apareixen a la pel·lícula ni hi són esmentats. A més també hi ha parts com el detall d'entrades a certes esglésies de Roma que no apareixen a la pel·lícula però sí al llibre.

En definitiva, portar un llibre a la gran pantalla comporta dificultats, però el que no pot comportar és un eliminació de detalls rellevants o importants ni canvis de guió o de trama respecte el que diu el llibre.

http://angelsanddemons.cern.ch/


Oriol Ventura Pedrol - Grau en Comunicació Audiovisual

STOP MOTION

Del videoclip a la publicitat

HER MORNING ELEGANCE

Dirigida per: Oren Lavie, Yuval i Merav Nathan
Fotografies: Eyal Landesman
amb: Shir Shomron

Her Morning Elegance és un videoclip fet amb la tècnica del “stop motion” on es creen seqüències visuals a partir de fotogrames. Aquesta tècnica s’utilitza normalment per donar animació als objectes inanimats. Però al contrari que l’animació per ordenador aquests són generalment objectes reals o de plastilina. Aquest videoclip juga amb una actriu, el cantant i objectes quotidians que generalment pots trobar en una habitació com coixins i peces de roba.

Aquest videoclip m’ha cridat molt l’Atenció perquè ha tingut gran transcendència en el món de la publicitat. Jo quan el vaig descobrir hem va semblar molt interessant la com utilitzen la tècnica per donar animació als objectes quotidians al voltant de la noia.

Hem va al•lucinar el treball que té, ja que per crear un minut en “stop motion” es requereixen 1500 fotogrames i aquest vídeo dura 3.36 minuts per tant conté prop d’uns 5040 fotogrames cosa que requereix molt de temps i esforç. a part fer un videoclip amb objectes o amb plastilina no es el mateix que fer-lo amb una persona ja que la noia s’havia de moure poc per no fer un gran salt i repetir els moviments poc a poc mentre li anaven canviant el fons.
Trobem que la càmera sempre esta en el mateix punt de distancia però a la vegada hi ha parts que estan fotografiades de més a prop com si gravéssim un pla detall de l’escena.

El director aconsegueix recrear el somni de la noia i transmet a l’espectador tot el que la noia va somiant sense abandonar el llit. Podem veure com la noia puja al metro, vola pel cel i cau al mar on juga amb peixos (mitjons) i altres essers.
Al mateix temps interactua el cantant, entra esporàdicament al somni de la noia i col•labora amb ella, ballen junts i van en tàndem.

Sincerament crec que aquest videoclip es una de les millors seqüències que he vist creades amb aquesta tècnica. Per això no es d’estranyar que ja l’hagin agafat per fer un espot publicitari concretament l’espot de “loterias y apuestas del estado”. És un plagi amb totes les lletres.
Començant perquè han agafar una actriu molt semblant, físicament i amb el mateix vestuari. El decorat amb el llit centrat i el terra de parquet són gairebé iguals. I no sol això que la noia actua igual al inici dels dos vídeos. La manta li desapareix de la mateixa manera i salta pels coixins igual que ho fa en el videoclip.
L’únic que els diferencia és que el videoclip està més centrat i agafat de més a prop i en canvi en l’anunci es separa una mica més i agafa un parell de mobiliaris de l’habitació.
L’empresa ha seguit el mateix model i a tret altres espots tots similars a l’original.

I aquest videoclip no solament ha afectat als espots publicitaris si no que a les revistes de moda i perruqueria també i si no mireu aquesta fotografia del catàleg “Raffel Pages” us sona? Una noia blanca de pell, pèl-roja amb els cabells arrissats, els ulls blaus, vestida de blanc i estirada sobre una superfície blanca. Molta casualitat oi?


També aquest videoclip ha inspirat a gent amateur que han decidit parodiar-lo o imitar-lo. Podríem dir que el videoclip - Her Morning Elegance- ha obert noves fronteres en el món del “stop motion” i ha creat una estètica en altres generes com la publicitat.

- Anna Caballero Ferret-

us deixo el link:
videoclip:
http://www.youtube.com/watch?v=2_HXUhShhmY&feature=related
anunci:
http://www.youtube.com/watch?v=YaHYzYauJuU
parodia:
http://www.youtube.com/watch?v=rvp7PgWGQzA&feature=related

American Beauty

No pretendo explicar el argumento de la película. Me gustaría simplemente centrarme en los personajes y sus sentimientos ya que son los que complementan la interesante dirección de Sam Mendes, quien no habia sido reconocido antes como un buen director y quien, con esta película, obtuvo 5 Premios Óscar (de los 8 a los que estaba nominada), incluido el de mejor director.

Si se trata de hablar sobre lo patético del hombre y su existencia, los clichés, la rabia, la frustración, el compromiso y las apariencias, esta película condensa perfectamente todos los extremos hasta los que se pueden llevar cada uno de estos elementos.

La "american beauty" es en realidad una rosa cultivada artificialmente con la intención de hacerla "perfecta". La película va más allá de un elemento natural y explica cómo las mismas personas llevan esto a sus vidas intentando aparentar algo que no son. Sucede especialmente con el papel de Carolyn (Annette Benning) , que para mí es el mejor de todos ya que condensa todo tipo de emociones tan fuertes como frustrantes. Es una mujer que
pretende reflejar la perfección y la tranquilidad en todo momento. Calculadora, fría, vive de las apariencias y el fracaso es su mayor miedo y su peor realidad. Es despreciada por su marido al ser una mujer frígida, y su hija piensa que es una ridícula señora que quiere pretender mantenerse joven mientras manipula y calcula hasta el más mínimo detalle.

El siguiente personaje crucial, y sobre quien gira la historia, es Lester (Kevin Spacey). Logra con maestría transmitir su patética vida y sus pueriles comportamientos y sentimientos al espectador. Es realmente vergonzoso imaginar una de las situaciones en las que se ve envuelto y, sin embargo, no sentimos que sea un hombre estúpido, lo que vemos en el es un hombre defraudado que quiere darle un giro a su vida y comenzar a pensar en él olvidando que su mujer e hija estan presentes todo el tiempo analizando todos sus movimientos y, cómo no, su frenético encantamiento con Angela (Mena Suvari) amiga de su hija Jane (Thora Birch). Encuentro fascinante las escenas en las que sueña con ella, no sólo por la puesta en escena con las rosas, la discontinuidad en las imágenes y el ambiente en que se ve envuelto, sino tambien por la interpretación y la tensión única de esos momentos. Sumerje al espectador en un estado de encantamiento total en el que dan ganas de adentrarse en la pantalla y tocar a la chica de una vez por todas.

Si hay una escena conocida de esta película es la de la bolsa que flota en el aire. Sublime. Para muchos sin sentido. Para mi, una escena tan sencilla como original que permite al personaje de Ricky (Wes Bentley) hacer un monólogo con otra de las frases míticas de la película "a veces hay tanta belleza en el mundo que siento que no lo aguanto". La bolsa solo es una excusa, pero transmite perfectamente la soledad del personaje acompañada de sus palabras que dejan, nuevamente en el aire, sentimientos e interpretaciones varias que quieran hacer los espectadores.

http://www.youtube.com/watch?v=xu8_8TJC9E8

Su familia es también una cruda representación de la falsedad y el fracaso. El odio, el silencio, la sumisión y las amarguras están plasmadas en cada una de las escenas de esta familia. Son, una vez más, seres que aparentan o que simplemente callan para no aparentar. Es interesante el contraste entre el coronel Frank Fitss (Chriss Cooper) y su esposa Barbara (Allison Janey). Ella es una mujer callada que padece alguna enfermedad que le hace olvidar las cosas y no enterarse muy bien de dónde está parada. Él, en cambio, es el eje de la familia, quien todo lo controla, quien tiene la última palabra y a quién no se le escapa ni una. Al final de la película, se descubre que Frank no es quien aparentaba ser: un hombre frio, veterano de guerra, homófobo, con tendencias nazis y prudente. Resulta ser también un hombre lleno de temores, amarguras, represiones, homosexual y retraído. Encuentra en su hijo todo el odio que debe dejar salir al sufrir la decepción de creer que el también es gay y es un ser menospreciado.

En general, la película está rodada en espacios abiertos, con colores vivos, presentando las rosas en muchos momentos de la película y rodeando a los diferentes personajes. Es una película de 1999 rodada en Estados Unidos, en la ciudad de Chicago exactamente.

Las escenas de interiores se ruedan principalmente en la casa de la familia Burnham y en la de la familia Fitts, con excepción de algunas escenas en salones de fiestas y la escena del partido de básquet que esta rodada en la cancha de algún colegio.

Como recursos narrativos se utiliza la diferenciación de la escena de los sueños y la realidad. Cada vez que Lester sueña con Angela aparecen en escena los pétalos de rosa, el decorado desaparece con una luz oscura (excepto en la escena de la bañera) y una luz ilumina directamente a los personajes centrando la atención exclusivamente en ellos y en sus acciones y estados catatónicos. Al final de la película, aparecen una serie de escenas en blanco y negro que representan los recuerdos del protagonista o, como le llama él, la vida que pasa ante sus ojos segundos antes de morir.

La banda sonora de la película está compuesta por Thomas Newman y el guión, escrito por Alan Ball quien la había escrito originalmente para teatro.

Recomiendo muchisimo esta película. No caigamos en la crítica de decir que "es una típica familia americana con problemas" porque no lo es. Es más, son situaciones demasiado extremas como para ser vividas por una sola familia. Lo que la película pretende es condensar un sin fín de situaciones y entrelazarlas para enseñar al espectador lo patético y efímero de la existencia cuando esta se basa solo en vivir para los demás.

http://www.youtube.com/watch?v=qe0hieRCj_0

Natalia Hernández - Comunicación Audiovisual

Dada: descobreix el nen que encara pots ser

Des de el primer moment en que vaig entrar en contacte amb el concepte "dadaisme", la meva curiositat i el meu interés per entendre i conèixer el moviment han anat en augment.

Molts de nosaltres haurem volgut en algun moment tornar, tot i ser per uns segons, a ser nens. Si tu ets un d'ells, no t'angoixis, el dadaisme ho fa possible. Tot i així abans de començar el teu particular viatge és necessari que coneguis el seu recorregut per la història, el seu significat i les seves característiques.
El dadaisme fa referència a un corrent que es postula com una ruptura tota, una negació dels valors positivistes i burgesos. És a dir, busquen la contradicció, l'espontaneïtat i fer referència a allò actual, immediat, aleatori i atzarós que esdevé sense estar previst o pactat.
És important destacar que busquen i defensen la llibertat de l'individu; valoren la subjectivitat i la capacitat de deslligar-se d'influències externes, alliberant les necessitats interiors. No és tan un moviment artístic com una actitud, una actitud de revolta i despresi, de disgust davant l'ordre social existent, caracteritzat per l'ànsia de poder. Però, per què "Dadaisme"? el nom mateix ja ens anticipa tpt el que el concepte ens amaga darrera. La denominació dadaisme prové del terme "dada" que en francés vol dir "cavall de joguina",i en ell van trobar la veu infantil, i es caracteritza perquè el seu significat és la pròpia falta de significat.
Que millor per trencar amb tot allò que no compartim, que adoptar una posició d'ignorància envers a aquells que creuen saber més del que realment coneixen. Per a aconseguir-ho es basen en la figura del nen, una personeta que fa allò que creu que ha de fer considerant que està bé i sense tenir en compte la posició dels altres.

Un dels exemples que a mi hem crida més l'atenció és la versió del quadre de la Mona Lisa creat per Duchamp, en el que afegeix a la figura de la Mona lisa bigoti i barba, amb la qual cosa a l'hora de mirar-la es converteix automàticament en un home.
És un dels exemples més clars del dadaisme i reflexa el seu objectiu principal, trencar amb els ideals i valors imposats socialment.
Com es pot observar, en la imatge que he pujat, torna a aprèixer la figura de la Mona Lisa. Es tracta de la portada d´'un dels llibres del conegut Andreu Buenafuente, en el que apareix la convinació de la imatge de la Gioconda amb la seva cara. És curiós com es pot jugar de tal manera que s'acaba trencant la realitat i aconseguim contruir-ne una de nova. Una realitat que reflexa allò que nosaltres volem exterioritzar.
Així doncs, t'animes a iniciar el teu viatge?

Cadena de favores

Cadena de favores

Trevor és un nen d’onze anys que s’ha convertit en un adult forçat a la situació complicada que viu ( la mare té problemes amb l’ alcohol i passa moltes hores treballant i el pare que no viu a casa, també té problemes d’alcoholisme i una conducta agressiva).

A l’inici de curs té un professor nou, el qual fa un plantejament a tota la classe, oferint-los la possibilitat de fer un treball referent a “Com millorar el món”. Aquest treball li desperta una motivació i una inquietud que fins ara no tenia. A mesura que passa el temps, sent com per primera vegada alguna persona (el seu professor) li dóna un vot de confiança.

La seva idea és iniciar una cadena de favors on alguna persona fa un favor gran a tres persones; cada una d’aquestes tres persones ajudarà a tres més i així successivament.

Els principals personatges són:

- Trevor Mckinney

En Trevor sempre està sol i té la necessitat de fer el bé, possiblement per omplir el buit que té degut a la decadència “inspirada” per les figures materna i paterna. Els seus favors els fa sense reflexionar, oblidant la prudència. Les seves accions són lliures, es a dir que li surten de dins actuant segons el que li diu el cor. Però per altra banda té molta fe amb el que creu i lluita per aconseguir-ho.

La finalitat d’en Trevor és ser més feliç. No pretén aconseguir la seva pròpia felicitat directament, sinó que l’aconsegueix indirectament: donant amor i fent el bé (ell és feliç si els altres ho són).

- Arlene Mckinney (mare d’en Trevor)

La mare és una persona egoista, beu per desconnectar de la realitat que l’envolta i al fer això només pensa amb ella mateixa i s’oblida dels seus deures i del què és el millor pel seu fill. El fet de no deixar la beguda, mostra que és una persona amb poca força de voluntat. A mida que va passant la pel·lícula es sent culpable de ser així i gràcies al seu fill rectifica i aprèn dels seus errors.

- Eugene Simonet (professor)

El seu objectiu quan posa el treball, no és canviar el món sinó que pretén que els

alumnes reaccionin. Però no tant sols transmet això, sinó que durant tota la pel·lícula es pot veure com transmet molts valors, com per exemple la puntualitat, el respecte, la llibertat, l’esperança, etc. Aprèn dels seus alumnes. El que en un principi era un treball, fa canviar la vida d’en Trevor i la del professor (que aprèn moltíssim de l’alumne).

Es pot dir que aquesta pel·lícula dóna certa esperança, ja que mostra un clar exemple de com es pot aconseguir la felicitat (tant teva com la dels altres), ajudant.

És un bon exemple a seguir ja que tot es basa en la solidaritat. Si la humanitat en general ho experimentés i ho veiés des d’aquest punt de vista des del qual es presenta en la pel·lícula, seria una bona forma d’acabar amb l’egocentrisme!

D’altra banda, el paper que té el professor és un bon exemple, ja que podem veure com s’interessa i es dedica a conèixer les necessitats individuals dels seus alumnes per tal d’adaptar-se a ells, i al final reflexionar sobre el seu propi paper dins la societat .

Carles Caire Martí.

Cambio radical: el programa que transforma en cisnes a los patitos feos.

PUBLICIDAD DE LUJO

La industria del lujo y las grandes firmas de moda, a diferencia de las ''mass brands'', se caracterizaban por tener una estrategia publicitaria recatada y diseñada prácticamente en exclusiva para ser publicada en revistas, pero en los últimos años la aparición de los blogs de moda han despertado un creciente ineterés en la población de clase media por las firmás de lujo y cada vez son más los que ahorran el sueldo de todo un mes (o más) para comprarse el Alexa bag de Mulberry o un par de Louboutins.

Las firmas se han dado cuenta de este nuevo mercado y han ampliado el público al que va dirigido sus campañas publicitaria y los medios de comunicación a traves de los cuales estas son difundidas, además del tipo de campaña que realizan. Si antes se limitaban a fotografiar a celebrities o tops vistiendo sus colecciones o bebiendo su marca de champagne, ahora se han apropiado del minifilmes, en el que han encontrado una nueva y efectiva arma de promoción.La industria de la moda está utilizando las películas como antes utilizaba las revistas ya que las publicaciones están perdiendo peso frente a Internet. Quizá por eso, el número de firmas que producen cortos para acompañar cada colección ha aumentado significativamente; gran parte de estos trabajos son más que un anuncio largo, son un soporte donde las marcas pueden dar rienda suelta a la experimentación, ya que lo que buscan no es tanto vender como ayudar a crear imagen.

Una de las marcas que con más frecuencia recurre a la utilización de minifilm como arma promocional es Chanel; su director creativo, Karl Lagerfeld, se encarga personalmente de la dirección y de parte de la realización de los films de presentación de colecciones, films promocionales de perfumes o simplemente de films que son un producto más de promoción ya no de un producto de la marca, sino de la marca como objeto de consumo.





Gucci, Prada, Tod's, Yves Saint Laurent o Loewe son solo algunas de las marcas que también han visto en el cortometraje su forma de llegar a un público más amplio y a través de un canal gratuito y ''universal'' como Internet.





Esencia de una Seducción
Cargado por erecuenco. - Videos de arte y animación.




Aunque para caso llamativo el de Wonderbra, que consiguio que 250.000 personas viesen su corto en tan solo 48 horas tras colgarlo en su canal de Youtube.



Paola Yandira Martinez Elsevif.

AVATAR i 3D

Sempre s'ha parlat de les mítiques produccions de Hollywood, en aquest cas em centraré en una de les últimes que ha estat estrenada a nivell mundial,"Avatar", produïda i dirigida pel gran director James Cameron, juntament amb Jon Landau i Rae Sanchini. Director conegut per realitzar grans produccions com "Titanic", "Terminator",... i documentals.

La banda sonora de la pel•lícula tambés és un punt a favor a la hora de fer una crítica sobre el film, i l’encarregat d’aquesta és James Horner, altrament conegut per realitzar grans bandes sonores com la de “Titanic”, “Braveheart”, “Una mente maravillosa”, i moltes altres més, igual de famoses i conegudes.







"Avatar" és una pel•lícula nord-americana, que es troba dintre el gènere de la ciència ficció. Està protagonitzada per Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang i Michelle Rodríguez. Aquesta superproducció està ambientada a l’any 2154 a Pandora, La pel•lícula està ambientada al 2154 a Pandora, una lluna del sistema estel•lar Alfa del Centaure. A Pandora es troven les reserves d’un mineral molt valuós, i per això la majoria dels humans de Pandora es dediquen a la minería, per contra, els na’vis (indígenas humanoides) es resisteixen a la seva expansió ja que els posa en perill a ells i al seu ecosistema.
En aquest cas, la pel•lícula va començar a escriure’s el 1994 pel mateix Cameron, que va escriure 80 pàgines sobre la pel•lícula, la qual pretenia filmar-la despres de “Titanic”, aquesta idea la va fer pública el 1999, tanmateix el mateix director va afirmar que la tecnologia no estava encara al nivell d’aquesta superproducció. Per tant, al 2006 va començar a escriure el guió, la llengua dels na’vis i la cultura de Pandora. Aquí podem veure un clar exemple de com influeix avui en dia la tecnologia a la hora de realitzar una pel•lícula, sobretot si es tracta d’una superproducció de Hollywood.



Un dels aspectes més importants a comentar sobre aquesta pel•lícula, a part del vestuari i la digitalització dels personatges, és l’ús dels efectes especials, concretament el 3D. Actualment la majoria de les pel•lícules han seguit l’exemple de James Cameron (tot i que introduir aquest efecte especial a les pel•lícules no és innovador, sinó que ja s’havia utilitzat abans). Un exemple de 3D d’aquestes últimes setmanes és el de Tim Burton a “Alicia en el país de las maravillas”. No obstant, sota el meu punt de vista, introduir l’efecte 3D per a donar un efecte de veracitat i grandesa a les pel•lícules, és una tonteria, només serveix per a treure més diners als espectador, ja que l’entrada per a veure la pel•lícula al cinema en 3D costa el doble que una entrada normal, això no treu que l’efecte no sigui brutal, però hi ha moltes pel•lícules en les que hi ha poca acció, per tant el 3D no serveix de molt. S’està posant de moda complementar les grans produccions hollywoodienses amb el 3D, simplement té un cost desorbitat (237 milions de dòlars) produir una pel•lícula amb 3D, i el cas d’”Avatar”, que està realitzada majoritàriament de forma digital, encara més. En aquest film s’ha utilitzat el nou sistema de càmera virtual de Cameron, que requereix dels moviments dels actors per realitzar els personatges digitals. També s’ha fet ús d’innovacions tecnològiques que inclouen “El Volum”, de captura d’imatges i de moviments facials.

En aquesta pel•lícula, pel que fa a la imatge, James Cameron ha fet un grandíssim treball, i l’argument, tot i tenir moltes crítiques pel que fa la decepció que algú es va emportar, segons la meva opinió és genial, tota la pel•lícula ho és, una de les millors de l’any.






Aquí teniu un enllaç del trailer de la pel·lícula, per si algú encara no l'ha vist:

http://www.youtube.com/watch?v=1wK1Ixr-UmM

Carla Torredemer Llucià

SIDDHARTHA

I què millor que parlar d'un best-seller en aquesta època de l'any, on els llibres es converteixen en els protagonsites de tots els aparador i tothom es troba a la recerca d'aquella novel·la que podrià enamorar a qualsevol.

Us parlaré d'una novel·la no gaire coneguda a occidental, però ben llegida a orient. Es tracta de Siddhartha de Hermann Hesse. Aquesta obra va ser escrita al 1922, poc després de finalitzar la Primera Guerra Mundial. Hesse va néixer a Alemanya, però al cap de poc temps va convertir la seva vida en un viatge continuat.
I gràcies a tot els mil racons de planeta que va trepitjar, es van convertir en una veritable font d'inspiració per l'autor.

No em vull estendre gaire en explicar l'argument del llibre, ja que potser que aquest sigui diferent en cada lector.

La novel·la ens parla de la vida de Siddhartha, un home que deixa tot el que té per anar a buscar allò que ens omple de veritat. Però al llarg del seu camí, es troba amb coses inesperades que canvien completament el rumb de la seva vida.

Personalment, és un llibre que hauria d'aparèixer a totes les estanteries de llibres de les cases. No és un llibre per llegir ràpidament i només captar el què passa al llarg de l'argument, sinó es tracta d'una novel·la que ha estat escrita per llegir-la amb tranquil·litat, sense preses i, si pot ser, per llegir-la més d'una vegada.
A la vegada, és un llibre que no cal llegir-lo tot. És a dir, un dia et pots llegir uns capítols, meditar sobre aquests, i no tornar a agafar la novel·la fins a un temps.

Al llegir-me el llibre, em vaig veure obligada a tenir un llapis i un blog de notes al costat per anar apuntant totes aquelles reflexions del protagonista.

Els llibres han estat creats per a que els disfrutem, i no pas perquè s'omplin de pols en una vella estanteria.
Així que, a tots els amants de la lectura de veritat, recomano aquest llibre i, si és possible, amb anglès!

Aquí us deixo el trailer del film, tot i que no us la recomano sense haver llegit el llibre amb anterioritat.
http://www.youtube.com/watch?v=OyFg291i8Ak





I want to learn form myself, want to be my student, want to get to know myself, the secret of Siddhartha.
Herman Hesse


NÚRIA JACAS ADSERÀ

STOP THE BULLETS, KILL THE GUNS!!!!

http://www.youtube.com/watch?v=gO89tpIJevw


Tots sabem que els anuncis, actualment, van més enllà de la simple publicitat i han deixat de ser una historieta senzilla al voltant de l’eslògan de la marca, per passar a ser, em molts casos, autèntiques obres d’art, amb efectes especial increïbles, muntatges i pressuposts de pel·lícula o amb bandes sonores que esdevenen el “hit del verano”.

Amb aquest anunci, però, vull anar una mica més enllà, i valorar com els anuncis poden ser genials, no tan sols en si mateixos, sinó per tot allò que, sense aparèixer a l’anunci, aquest aconsegueix evocar en el nostre pensament.

En aquest cas concret el visionat a càmera lenta de les destrosses produïdes per una bala en una síndria, una ampolla o una poma, ens “permet” imaginar quin seria l’efecte d’aquesta mateixa bala en el cap del nen, produint una sensació que tan sols atinu a descriure com a brutal.

A més l’anunci crea un clima d’intriga, ja que durant molta estona no saps de que pot ser l’anunci, si d’una càmera de vídeo, d’un televisor d’última generació, d’un nou canal de televisió en HD, . . . , i la imatge final del nen i la bala que s’aproxima, però sobretot la imatge que, per associació, es crea en la nostra ment, suposa un final colossal; una manera esgarrifosa d’aconseguir l’efecte buscat per la publicitat: impacte.

Un anunci macabre, pot ser, però sens dubte genial.

Gorka Bertran Santos

PD: Recordeu: STOP THE BULLETS, KILL THE GUNS!!!!!

PERSÉPOLIS

Un país sin libertades, un régimen islamista opresivo donde la mujer deja de tener voz para formar parte del mobiliario urbano, muertes a diario, una revolución, guerra…En este desolador panorama se desarrolla la película Persépolis, un film de animación que recrea la vida de Marjane Satrapi en un Irán caótico, lleno de luchas y cambios.

Un 22 de noviembre de 1969 en Rasht, en el seno de una familia progresista nació Marjane. Durante su infancia empezó a tener conciencia política y a secundar, al igual que todos sus familiares, las ideas revolucionarias en contra del régimen opresivo del Sha. Años más tarde, triunfó la revolución. Pero la euforia duró poco entre los Satrapi, ya que lo que no imaginaban es que ésta adquiriera el carácter islamista y opresivo que tomó. La imposición del velo, la censura de la música occidental, la prohibición de venta y consumo de alcohol fueron algunas de las medidas que adoptó el nuevo régimen. Marji, en plena adolescencia, continúa con su causa y con la resistencia, eso sí, a su manera. La inmediata guerra con Iraq torna el ambiente mas perturbado, si cabe. La situación resulta insostenible, Teherán se convierte en una ciudad imposible para una chica de 14 años, sobretodo con el carácter de Marjane, y sus padres deciden mandarla a Viena para que acabe de realizar sus estudios, de manera laica y sin interferencias políticas, en el Liceo francés. Allí, descubre el estilo de vida occidental, el amor y, quizás lo más importante, la visión que tenemos los europeos respecto a su cultura. En Viena no se siente bien, y tras su fracaso en el gran continente, regresa a Irán para estar con los suyos. La situación no ha mejorado, pero tras reponerse del traspiés austriaco decide reconducir su vida. Emprende los estudios en Bellas Artes y se casa. Su matrimonio se va a pique y la situación política y social no mejora. Por eso, y pese a sentirse plenamente iraní, decide emigrar a Francia.



Basada en el cómic autobiográfico de la codirectora Marjane Satrapi, observamos que mantiene el trazo manual original con un ligero tratamiento digital, y acompañando a esa estética, la abstracción en muchas imágenes y el tratamiento en blanco y negro que recibe casi toda la película (a excepción de secuencias que muestran al personaje principal en Francia, queriéndolo resaltar así de la “oscuridad” de su vida anterior). De carácter expresionista y con influencias, según comenta la directora, del neorrealimo italiano y expresionismo alemán (tomando como ejemplo del tratamiento de la imagen Metropolis”de Fritz Lang y “Night of de Hunter” de Robert Mitchum) el film introduce la historia a través de grandes flashback que combinan la fantasía propia de un niño y la realidad que vive. A través de una puesta en escena sencilla, y con constantes toques de humor, Persépolis nos acerca, de manera suavizada, al feminismo iraní, a la situación de aquel país y al descubrimiento de la identidad personal del personaje principal.

Personalmente, me gusta la película ya que, pese a lo dramático de la situación y el espeso contenido moral y reflexivo, el tratamiento simple y con humor que recibe la convierte en un film entretenido y digno de elogiar.

Aquí os dejo un comentario de los directores y unos videos que muestran el tono de humor y el toque de abstracción, a menudo, reciben los dibujos.

http://www.nytimes.com/packages/html/movies/20071225_PERSEPOLIS_FEATURE/index.html#

http://www.youtube.com/watch?v=rlIAmCfHzbg

http://www.youtube.com/watch?v=lGKdQRsPvW8

RAQUEL GUTIÉRREZ CORRALES

La ola (Die Welle)

Esta película alemana de 2008, dirigida por Dennis Gansel, es un drama social basado en hechos reales. La ola se inspira en los sucesos que se dieron en 1967 en California cuando Ron Jones, un profesor de Historia de un instituto, llevó a cabo un experimento en el que sus alumnos y él mismo imitarían un modelo dictatorial en sus clases. El experimento fracasó -o no- y tuvo que ser abortado antes de que llegara más lejos.
Este suceso será trasladado por Dennis Gansel a la actual Alemania, el país que cuenta en su historia reciente con el régimen dictatorial más opresivo y violento. Rainer Wenger, un moderno profesor de ideas liberales, se ve obligado a realizar en la semana de proyectos del instituto una sesión temática sobre la autarquía. Después de preguntar a sus alumnos sobre la posibilidad de que en Alemania se repitiese una dictadura como la del Tercer Reich y ante la negativa de estos, se comienza a ejemplificar en plena clase un sistema autocrático: se refuerza la autoridad, se fija un orden y unos hábitos y se genera la idea de grupo y su unión. El enfoque de la clase es un éxito y los jóvenes se ilusionan y se implican. En breve se adopta una simbología, característica básica de cualquier dictadura, y el fenómeno va ganando adeptos. El movimiento crece y se lleva fuera de las clases, los chavales continúan con La ola en su vida cotidiana y empiezan a sentirla como un modo de vida. Llega un momento que el experimento se escapa de las manos del Sr. Wenger y éste decide acabar con él.
El largometraje lejos de ser un documento histórico más u otro sobado film sobre la Alemania nazi y sus consecuencias, es un relato pedagógico, con fondo social y psicológico, que retrata la sociedad de hoy en día, sobretodo la juventud, y como la memoria histórica o el propio sentido común se pueden ver cegados por movimientos populares hasta dar con una nueva dictadura o autoritarismo. Un movimiento que nos haga sentir importantes dentro de “algo” importante, que nos haga sentirnos iguales y sin rechazos, con un objetivo común (o eso pueden hacernos creer) y con una atractiva imagen y simbología puede conducir a mucha gente a entregarse a una causa parecida y entregarle a alguien, que se hace llamar líder, todo el poder. En un principio es más fácil la captación de desamparados, de personas con poca autoestima y personalidad pero se pueden ir añadiendo curiosos, interesados y convertirse en una bola, por no utilizar el propio título del film, en la que muchos ya se vieran arrastrados por la simple aprobación colectiva. Parece difícil de creer, pero si analizamos a la juventud, faltos muchos de nosotros (porque no me atrevo a excluirme) de verdaderos ideales políticos y morales, aburridos y sin ambiciones más allá de lo material, reacios a la reflexión y el análisis, y si observamos la facilidad que tenemos para adherirnos a las modas y tendencias (no quiero abominar contra Facebook, pero lo cito como ejemplo) asusta pensar que podríamos sin darnos cuenta caer en manos de alguien que nos manipule bajo su dirección. Este punto tampoco queda suelto en la película de Gassel, no sólo analiza a los jóvenes, el profesor Wenger presenta una transformación durante la película: le tienta el poder. Poco a poco su experimento se le escapa de las manos porque él mismo se ve ensalzado, se siente poderoso, y ese sentimiento es común a todos: nos gusta ser importantes y poderosos. El poder ciega y manipula.
La historia se narra con objetividad, no busca un porqué ni lo justifica, simplemente nos muestra los hechos. No critica actitudes, no se postura hacia un bando o hacia otro, simplemente nos muestra cómo puede nacer un movimiento de este tipo y cómo consolidarse. Sólo busca la reflexión sin decirnos quienes son los buenos o los malos, o qué está bien hecho y que no, es el propio espectador y su sentido común el que se lo dice.
La película se divide en seis partes, la primera actúa de introducción y el resto corresponde a cada uno de los días de la semana en los que evoluciona el proyecto, de lunes a viernes. El ritmo, muy bien conseguido, ayuda al desarrollo de la trama y atrapa al espectador. No te da tiempo a aburrirte, no se adorna con planos innecesarios, la velocidad de éstos y la aparición de la música está justificada con el fondo de las imágenes. Los personajes, aunque un tanto estereotipados, son muy identificables y, por lo tanto, comprensibles. El final de la película, tranquilos mi post no contiene spoiler, es bastante previsible, de hecho la trama no puede acabar de otra manera. Pero no por ello deja de resultar tenso y emocionante, con un marcado clímax que no defrauda al espectador con el esperado desenlace del film. Otra cosa a tener en cuenta es cómo se copia la estética de diferentes regímenes dictatoriales, en especial el régimen nazi. En ocasiones, los planos dentro de clase recuerdan a fotografías de Hitler ante sus tropas, todos uniformados, firmes, entregados a las palabras de su líder. Los gestos y los símbolos también se asemejan. E incluso las intervenciones del profesor Wenger hacen recordar los discursos del mismo Fürher, sus arengas agresivas y entusiastas.
No todo puede ser bueno, y reconozco que en ocasiones pierde veracidad a favor del guión y el ritmo narrativo. El hecho de que un fenómeno de tal envergadura se dé en apenas cinco días no resulta creíble. El proceso debería ser mucho más largo, para creernos la entrega de los chavales y sus posteriores acciones.
Pero en definitiva, estamos ante una buena película, bien narrada y sin necesidad de un presupuesto espectacular. Os animo a verla y que me contradigáis o simplemente aportéis otros enfoques.

Os dejo el trailer:
http://www.youtube.com/watch?v=azjctIF8xV4

David Pascual Gabarrón

Dogma 95 – un movimiento despreciado

Con esta contribución al blog quería hacerse redescubrir (o quizás en algunos casos descubrir) el fenómeno Dogma. Un movimiento que, en su estilo puro, ha quedado un poco en el olvido, según mi opinión. Y un movimiento, desafortunadamente, demasiado desconocido y, puede que también, despreciado.

La gente tiene tendencia a calificar este movimiento de austero o poco serio y a menudo se escuchan afirmaciones sobre que no aporta nada nuevo ni interesante al mundo del cine, cuando en realidad no es así.

En 1995 un grupo de directores daneses se propusieron hacer frente a las actuales tendencias que predominan la tecnología al guión y al arte en el cine.

Para este grupo de director los medios que utiliza la creciente industria de Hollywood para obtener grandes beneficios carecen de calidad y suponen un tratamiento decadente del 7º Arte.

Para ello el Manifiesto Dogma 95 se ofreció como una salvación del cine, que regresó a sus orígenes, primando el guión y la interpretación sobre cualquier adorno superfluo.

Dogma 95 pretendió acabar con la idea del cine de autor, según sus seguidores, el autor es una visión burguesa del romanticismo. Por tanto el Cine de Autor tampoco supone una alternativa antiburguesa del cine. Los directores Dogma creen en su voto de castidad como una forma de democratizar el cine, ya no importará quién haga cine, ya que sus costes de producción no son elevados y permite a los jóvenes poder llevar a la práctica sus ideas.

El voto de castidad

Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:

1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
¡Además, juro que como director me abstendré de todo gusto personal! Ya no soy un artista. Juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad. Mi fin supremo será hacer que la verdad salga de mis personajes y del cuadro de la acción. Juro hacer esto por todos los medios posibles y al precio del buen gusto y de todo tipo de consideraciones estéticas.
Así pronuncio mi voto de castidad.

Copenhague, Lunes 12 de marzo de 1995

En nombre de Dogme 95,
Lars von Trier – Thomas Vinterberg


Durante la asignatura ya hemos visto algunas partes del fenómeno Dogma y también sus antecedentes.
Dogma tiene muchos rasgos de la Nouvelle Vague por su “rebeldía”, bajos costes, largas tomas, por no rodar en estudios, sino en la localización de los hechos, etc. y también de los cineastas soviéticos dedicados a la producción de cine de hechos, en la vida captada de imprevisto, evitando el uso de escenografía, accesorios y elementos del cine de representación.

La película Los cinco obstáculos (De fem benspœnd, título original) que analizamos en la primera práctica tiene algunos elementos dogma también. Por ejemplo, esa obsesión de Lars von Trier durante todo el documental de seguir las reglas ante todo es muy digno de una película Dogma (véase el voto de castidad).
Además, en la última parte del documental The Perfect Human: Avedøre, Denmark Lars von Trier y Jørgen Leth se ponen de acuerdo de que Jørgen Leth reciba todos los créditos del quinto obstáculo, aunque no la haya dirigido y que Lars von Trier no reciba ningún crédito a pesar de ser él el director (véase el voto de castidad).

Por último, me gustaría recomendar alguna película Dogma, para los que estuvieran interesados en descubrir o redescubrir este movimiento de cine.



Festen (Celebración) del director Thomas Vinterberg fue el Dogma #1 y es para mi una gran película, es muy recomendable.

Festen es un viaje de humor negro en el territorio prohibido de la familia. Nadie puede ignorar a una persona como el danés patriarca Helge Klingenfeldt, así que es necesario una celebración para su cumpleaños de 60 años. Amigos y familiares se juntan en la finca. El hijo pródigo Cristian decide hacerle un discurso a su padre, lo que el padre no sabe es que haya llegado el momento para que el secreto más oscuro de la familia sea revelado, y debe hacerse en el estilo de su padre - con estilo y malicia. Es una película como todas las Dogma con la historia como protagonista. También muy presente durante toda la película es ese humor negro tan característico de las primeras películas Dogma.

Otros títulos muy recomendables, según mi Dogma criterio, serían Mifunes sidste sang
(Mifune) de Jørgen Kragh-Jacobsen, Italiensk for begyndere (Italiano para principiantes) de Lone Scherfig, Idioterne (Los idiotas) de Lars von Trier o Efter brylluppet (Despuéss de la boda) de Susanne Bier.
Todavía me quedan por ver las Dogma españolas como Dogma # 22: Era Outra Vez (2000), Dogma # 30: Días de Boda (2002) y Dogma # 31: El Desenlace (2005) todas de Juan Pinzas.
Sí alguien de vosotros las haya visto me gustaría conocer vuestra opinión.

En junio de 2002, después de certificar y numerar 31 películas Dogma de todo el mundo (con decenas más en producción), la Secretaria de Dogma cerró. "El manifiesto de Dogma 95 casi se ha convertido en una fórmula de género, lo que nunca fue la intención", dice el anuncio en el sitio oficial del movimiento. Sin embargo, los cineastas animan a seguir cumpliendo el voto y, con fines históricos, enviar copias a un archivo de Dogma en la Universidad de Copenhague.

O sea ya sabéis, si os animáis!

Helle Kettner Høeberg

COCA-COLA

COCA-COLA

Si has clicat aquesta entrada tu també has picat. Actualment la publicitat ens condiciona fins al punt de fer-nos sentir curiositat per marques concretes, marques que condicionen la nostra manera d'actuar i que, fins i tot, acaben per definir-nos i diferenciar-nos dels demés, com si es tractés d'un tret propi de la nostra personalitat.

La publicitat aconsegueix que vulguem beure una determianda beguda, vestir roba d'una determinada marca o menjar un producte determinat. Però, com ho fa? Probablement, molts cops, ho fa a través dels nostres propis sentiment, és el que s'anomena publicitat emocional. Aquell tipus de publicitat que no només aconsegueix que ens sentim identificats amb la situació que mostra l'anunci, sinó que a més, és capaç de fer-nos riure, recordar o plorar.

Una de les marques que porta fent aquest tipus de publicitat des de sempre és, sens dubte, Coca-Cola. En aquests links podem veure'n alguns exemples:

http://www.youtube.com/watch?v=DHR9SGcnklk

http://www.youtube.com/watch?v=vrBD2hSdLS0

Ara més que mai, a través d'internet, ens podem adonar que marques com aquesta, no tant sols aconsegueixen fidelitzar els seus clients a través d'aquest tipus de publicitat, sinó que a més fan que la gent s'interessi pels propis anuncis. Podem trobar-los postejats en blogs, amb transcripcions del que diu l'anunci o amb comentaris del tipus "que fantàstic que és l'últim anunci de Coca-Cola".

http://www.idealista.com/news/gente/krowka/blog/anuncio-coca-cola-210

http://www.directoalpaladar.com/otras-bebidas/nuevo-anuncio-de-coca-cola-dedicado-a-nosotros-los-treintaneros

Probablement la major part del públic no s'adona de la manipulació que moltes marques fan sobre les seves emocions. Aquestes marques aconsegueixen que la gent parli dels seus anuncis, conseiderats d'una manera o altra, no una simple publicitat, sinó una "petita obra d'art". Aconsegueixen que fem publicitat gratuïta manipulant les nostres emocions i fent-nos sentir que allò que estem fent està bé, podriam dir fins i tot, que és una cosa socialment aprobada.

Elisenda Sánchez Casanovas

"Ran" Akira Kurosawa

Caos: este es el significado de Ran, Akira Kurosawa se inspira a la unión entre El Rey Lear de Shakespeare y La prueba de las tres flechas antigua leyenda japonesa.
En el Japón feudal del siglo XVI, el viejo señor Ichimonji Hidetora(el actor es Tatsuya Nakadai, el mismo de Kagemusha-La sobra de guerrero) toma la decisión de dividir su reino entre sus tres hijos: Taro, Jiro y Saburo(respectivamente disfrazados de amarillo, rojo y celeste). Cree que así podrá preservar sus dominios después de su muerte. Pero los hijos entran súbitamente en conflicto entre ellos. Saburo es despojado y los otros dos hermanos enfrentan sus armadas, a lo largo de la película asistiremos a la destrucción de la casa Ichimonji.

Akira Kurosawa era un perfeccionista de la forma; la geometrías de los ejércitos en movimiento, la estupenda composición de los encuadres, el uso del teleobjetivo(característica estilística de este director)que reduce el efecto de profundidad, y de consecuencia el sujeto de la toma parece como pegado al fondo; los sangrientos combates bajo el cielo cubierto de nubes blancas, hacen de este película una verdadera obra de arte. Se puede apreciar como a lo largo de toda la película cada encuadre está compuesto con un gusto refinado, todos los elementos que forman la imagen están repartidos con una sabiduría sin igual. También la composición cromática que tiene significados simbólicos es de suma belleza.

El director relata la estupidez de los hombres que hambrientos de poder destruyen el universo y se matan entre hermanos, bajo la mirada de los dioses; el caos es el sentido de la vida, los hombres se limitan en vivirla, no le importa entenderla, lo destruyen todo, ilusionándose de construir.
El uso de la música y del los silencios como elementos dramáticos(en los momentos de matanza solo las imágenes son suficientes a comunicar el horror), y el sonido de la flauta que subraya los momentos de tensión dramática.
La interpretación de los personajes influenciada por el teatro tradicional japonés del noh.
Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente "El Emperador"), por su estilo dictatorial como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. Como podéis ver en el fragmento a continuación, hace construir un castillo para darle fuego y rodar esta maravillosa escena. Con un presupuesto de 12 millones de dólares, fue la película japonesa más cara jamás producida.

Saro Raimondo

Dexter

Dexter es una serie de televisión de la cadena Showtime, una cadena estadounidense, basada en la novela “El oscuro pasajero” de Jeff Lindsay además de parte de la trama de “Querido Dexter”. Esta serie de suspense narra la historia de un hombre que se llama Dexter Morgan y es un forense especializado en análisis de salpicaduras de sangre en el departamento de Policía de Miami. Cuando era pequeño fue maltratado y abandonado por sus padres. Ahora ha adoptado una doble personalidad, ha canalizado sus innatas necesidades homicidas en una segunda profesión: se dedica a dar caza y matarlos despiadadamente a asesinos en serie que no han sido cogidos por la ley.
En su historia de niño, Dexter fue adoptado por Harry Morgan, que al descubrir las tendencias homicidas que albergaba en él, el padre policía de Miami también, le enseña a canalizar esa ira y a saber cubiri sus actos i no dejar ningún tipo de pruebas que puedan implicarlo.
El personaje debido a su perfil de buen señor, respetado por todos sus compañeros es un hombre que no es muy difícil de querer. Bajo todo ese aspecto dentro de él aguarda un psicópata. Se esfuerza mucho en aguardar sus apariencias y sus emociones para parecer un hombre social u comunicativo, esto ayudará a su relación con Rita, la cual ha sufrido mucho desde la violación de su ex-marido y que también tiene dos hijos a los que Dexter tarde o temprano consigue cogerles mucho cariño.
La forma de matar de Dexter que le enseñó su padre es la de empapelar todo el escenario donde va a suceder el crimen con papel transparente para evitar manchas y envolver también a las víctimas después de haberlas dormido con una inyección.
Aunque él se excuse con que solo mata a asesinos en serie sabe que lo que hace es de locos, sabe que es un psicópata que mata porque le gusta la sangre, solo que su padre le enseñó a matar a gente que entre comillas se lo merezca. No es excusa tampoco para matar, pero dentro de lo que cabe el cree que hace pagar a sus víctimas el dolor que ha causado a las familias de la gente que ha matado y les hace sufrir hasta que les mata. Este estilo de suspense mezclado con temas familiares también se encuentra el a serie de Los Soprano, el mismo director que ha llevado esta serie. El estilo de este guionista y productor es muy parecido en todas sus creaciones, trabajo en Los Soprano como co-productor de la primera temporada.
Esta serie la recomiendo a la gente que aún no la haya visto, no sólo se basa en una serie de asesinatos de el protagonista sino un dúo de personalidades, la una que lucha con la otra para que la mala no aparezca y seguir aparentando algo que en realidad no es.

Jessica Garriock Rodríguez

Alicia en el país de las maravillas

Tothom parlava de l’estrena de l’esperada pel•lícula de Tim Burton, “Alicia en el país de las maravillas”, ara ja s’ha estrenat, i no ha deixat gaire cosa a desitjar, de moment Tim Burton a aconseguit meravellar a milers de persones amb aquesta gran pel•lícula.
Vaig tindre el plaer de poder-la veure el mateix dia de la seva estrena, divendres 17 d’abril, i he de dir que és una pel•lícula que realment val la pena, i que penso que s’ha de veure i gaudir en una sala de cinema.

Està basada en els llibres de “las aventuras de Alicia en el país de las maravillas” i “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí” de Lewis Carroll.
Aquesta pel•lícula combina personatges reals amb tècniques de captura en moviment i stop-motion.

En aquesta pel•lícula com es normal en les pel•lícules de Tim Burton, veiem clarament el cinema expressionista, caracteritzat per:
-Distorsió de la posada en escena
-Tractament de la llum amb forts contrastos entre clars i obscurs
-Personatge monstruosos
-Animació d'objectes inerts
-Tractament metafòric dels paisatges (atmosferes tortuoses)
-Relats que no avancen de manera progressiva, sinó que apareixen poblats d'estranyes claus, xifres o narracions enigmàtiques
-Protagonisme de la fantasia
-Interpretacions estilitzades i basades en l'excés gestual

Cal destacar, per al meu gust, el paper fonamental de Johnny Depp com a “Sombrerero loco”. Actor que caracteritza perfectament les pel•lícules de Tim Burton.

Res més, sincerament es una pel•lícula que recomano veure-la al cinema per poder gaudir de la seva complexitat, i també de la seva banda sonora que juga un paper fonamental.


“¿En que se diferencian un cuervo y un escritorio?”

Elena Martínez Paz

DOBLE O NADA

Hola bona nit,

Després d'haver estat llegint bastantes de les entrades publicades i d'haver comentat en alguna d'elles, estic aquí, intentant redactar-ne una que us sembli d'interès o simplement que no us desagradi.
Porto uns dies pensant en què comentar, més ben dit, sobre què comentar i vaig pensar que un anunci seria interessant. A partir d'aquí m'he plantejat escollir un dels tants anuncis de televisió que cada dia passen per davant dels nostres ulls i que no són pocs.
He escollit el següent anunci de Voll-Damm que no fa molt vaig veure per primera vegada a la televisió, aquí està l'enllaç:

http://www.youtube.com/watch?v=H7Ip3jE7oF4

Imagino que la major part de vosaltres ja l'haureu vist algun cop i m'agradaria explicar-me perquè l'he escollit; la raó és molt simple i és que portava molt de temps agafant l'anunci a mitges i m'havia cridat l'atenció des del primer dia, així doncs, el dia que el vaig poder veure sencer em va acabar d'agradar encara més del que ja m'agradava.

L'anunci es basa en els problemes de parella pels quals un home i una dona acaben la seva relació. Aquest, comença amb la fugida de casa per part d'ella i continua amb un seguit de seqüències que intenten explicar el perquè del disgut d'ella en la parella i que l'home suposadament no enten.
M'agradaria comentar diverses coses sobre l'anunci:
En primer lloc em sembla molt interessant la manera d'afrontar els diversos motius, és a dir la temàtica, ja que ho fa amb un humor molt característic, que podríem definir com a sarcàstic. M'explico, l'anunci juga amb el concepte "normal", que tot i que per a cada persona es situa en un lloc diferent, la societat aporta un paper clau en inculcarte'l (estereotips potser?!) i dóna per fet que a l'hora d'entendre l'anunci tu partiràs d'aquests criteris que la pròpia societat estableix com a "normals". Així doncs, la gràcia està en que pressumptament tu entendràs l'anunci com "l'hauries" d'entendre partint de les bases normals i el protagonista t'ho planteja desde el seu grau de normalitat. Tot això es comprova al final de l'anunci quan ell diu "[...]no entiendo qué pasó, desde el primer día se lo dejé todo muy claro." Crec que aquest és el motiu perquè m'agrada aquest anunci. No hem d'oblidar que durant aquest, l'home va vestit amb americana i corbata. Graciós no creieu?
Un altre aspecte que m'agradaria comentar és que com en molts altres anuncis de Voll-Damm, en aquest tampoc li manca el lema "doble o nada" que associem a aquesta cervesa. El lema prové de la seva elaboració ja que té doble malta, per tant juga amb aquestes claus d'associació, tàctiques del llenguatge publicitari.
L'àudio també forma part de les peculiaritats d'aquest anunci ja que com a banda sonora tenim la canço "Common people" de Pulp, s'escolta la veu en off del protagonista i de so en directe, solament podem escoltar els talons de la dona al marxar, el cop de porta que coincideix amb el moment en el que ell es posa la màniga de l'americana i quan el gos grunyeix. Aquest conjunt de moments són els que li donen dinamisme a l'anunci; un altre moment en el que es produeix això, però sense so en directe, és al final quan la boxejadora li pega al sac a la vegada que es sent l'últim cop de bateria.
Seguidament també voldria parlar-vos d'una cosa que m'ha cridat l'atenció - i que mai abans me l'havia cridat, degut a que no em fixava en segons quins detalls - i és l'aparició d'imatges d'arxiu i concretament en blanc i negre quan fa al·lusió a "las películas normales". En una de les seqüències ("ambiente de trabajo normal"), la imatge apareix en sèpia, així doncs, està jugant amb l'experiència, la creativitat i l'enginy.
I finalment, com en cada anunci, la clau de l'èxit està en que et provoqui algun sentiment ja que les tècniques publicitàries es basen en això, la persuació i la seducció per tal d'arribar a tu. Una de les moltes maneres és utilitzant protagonistes d'edats similars al públic al qual va dirigit. En aquest cas, trobo que no va dirigit a cap edat concreta (exceptuant els menors d'edat) i que l'essència de l'anunci recau en interpretar les situacions segons la teva normalitat, arriesgar i sentir-te a gust amb tu mateix. Tot i l'acció i activitat que predomina durant tot l'anunci, al final apareix assegut en una butaca, relaxat i bebent-se una Voll-damm.

La idea que a mi m'ha transmès (i a cadascú segurament li transmetrà coses diverses) és "o lo normal o nada", és a dir, o el que tu vols o res més.
Crec que aquest anunci ha aconseguit el que es proposava, al menys, deixar-te una mica descol·locat i cridar l'atenció, o al menys a mi sí.

ADA NAVARRO PUCHE

Dalí i el surrealisme oníric

M’he decidit parlar sobre un dels autors dels quals em considero seguidora: Salvador Dalí, un geni català. Crec que és un dels artistes que més té vinculada la seva obra amb la seva vida personal, on va mostrar ser un excèntric en tots dos àmbits.
Considero que Dalí és un dels autors més complets que hi ha, ja que malgrat sigui conegut per les seves habilitats pictòriques també dominava el dibuix, la fotografia, l’escultura i el cinema, tal i com vam veure a les classes teòriques amb la pel•lícula Un perro Andaluz.
És un dels surrealistes més coneguts, moviment nascut arran les teories de psicoanàlisi de Freud. En totes les seves obres Dalí es reconegut fàcilment, plasmant en cada una d’elles els seus somnis i el seu subconscient, el seu món intern. En tots els seus treballs, siguin pintures com als guions en els quals va participar trobem les mateixes característiques: plasmació automàtica sense correccions racionals, res té un raonament lògic, la tècnica de collage... Tots aquests trets van configurar el seu estil, un surrealisme inspirat en el món dels somnis que ell mateix va anomenar al seu mètode paranoic-crític.
Com abans he dit, la vida i obra de l’artista van molt relacionades. Dalí nasqué al se d’una família conservadora i benestant. Quan era un infant ja va viure una fatal experiència que el va marcar de per vida, la mort del seu germà gran i de la seva mare. A la seva joventut va decidir estudiar belles arts i aviat els seus treballs escandalitzaren a la gent amb el seu estil innovador, combinant tècniques tradicionals amb moviments contemporanis. Al 1929, junt amb Luis Buñuel, va ser guionista de Un perro andaluz, pel•lícula amb un guió totalment irracional que s’ha convertit en un model de film surrealista. Aquest mateix any va conèixer a la seva musa, Gala, amb la qual es casà. El matrimoni amb Gala, el seu estil surrealista i el seu caràcter extravagant van fer que que Dalí trenqués tots els seus lligams amb el seu pare, que no acceptava l’excentricitat del seu fill. Anys més tard, Dalí pintà una de les seves obres més conegudes La persistencia de la memoria, obra on apareixen els seus típics elements plens de simbologies, com els rellotges, els insectes, les ombres de quelcom que s’escapa fora del quadre, o l’extens paisatge. Des de llavors Dalí es convertí en un artista molt prolífic, i cada cop es va tornant més surrealista.
La conducta i el caràcter de Dalí van arribar a irritar força tant a seguidors com a crítics, ja que no només volia destacar en pintura, si no que el seu narcisisme va arribar a fer que aquest volgués ser el centre d’atenció en tot moment, i ho aconseguia gràcies a les seves vestimentes estrambòtiques i les seves conductes totalment per fora d’allò considerat normal. Molts el van titllar de farsant, les seves obres els hi semblaven sempre iguals i més que artista per a molts, Dalí es va convertir en un reclam publicitari.
Com abans he mencionat, Dalí dominava moltes tècniques. Al final de la seva trajectòria com artista així ho va demostrar, ja que es va dedicar a l’holografia artística (fer fotografies tridimensionals) i fou considerat com un dels grans propulsors del pop art.
El caràcter pintoresc de Dalí, el seu treball incessant i la seva passió per entrar en contacte amb totes les arts van continuar donant-se fins a la fi dels seus dies.
Si algú de vosaltres també està interessat en l’obra d’aquest autor li aconsello molt sincerament que visiti la seva casa-museu a Portlligat (Cadaqués), ja que fou el seu lloc de residència en el qual va viure amb Gala, la seva musa i dona. Em va sorprendre moltíssim que cada racó de la casa conservi les característiques de Dalí: passadissos que es van fent cada cop més estrets, una terrassa plena de neumàtics amb una piscina ornamentada amb ampolles de licor, escultures sorprenents i fotografies de la parella. Si us decidiu a visitar la casa, entendreu per què l’artista va trobar al seu amor en aquell lloc... La platja, el museu de Dalí i fins i tot la llum (Dalí n’estava enamorat) fan que tot sigui màgic.

Alba Merayo González, primer de periodisme